Connect with us
QuedateEnCasa

Published

on

  • A través de sus obras, las hermanas Sanromán cuestionaron y superaron el lugar tradicional relegado a las mujeres en el ámbito artístico (la musa, el objeto de inspiración, el ornato y el ámbito doméstico).

La historia no es imparcial; las grandes narrativas que cuentan el devenir de la humanidad poseen un sesgo que es resultado de la asimetría de poder histórica entre hombres y mujeres. Por ello, no es casual que en los grandes relatos las mujeres sean relegadas a un papel secundario o complementario, pues las formas dominantes en las que se hace historia poseen una perspectiva masculinista en la que el hombre es sinónimo de humanidad, cultura y nación, o que en el mejor de los casos las mujeres son reducidas a “contribuyentes” (jamás protagonistas o bastiones) en la construcción de la nación y la cultura. Como señala el historiador del arte y curador mexicano Luis Vargas Santiago, hacer historia es “resultado de un ejercicio de poder que pone de relieve ciertos eventos, personas y procesos al tiempo que oculta otros, los margina, los borra”[1].

En la historia del arte existen silencios que niegan la existencia y producción artística de mujeres, con todo y las dificultades que implicaba que una mujer realizara tareas que solo eran consideradas propias de los hombres ilustres. Como indica la investigadora Anne Staples, las mujeres consideradas “ilustradas” en el siglo XIX debían tener medios económicos para adquirir una amplia cultura, pues si no se tenía una fortuna o una situación privilegiada era imposible acceder al arte y las letras: “Entre las mujeres, más que entre los hombres, tener fortuna o pertenecer a una familia acomodada era prácticamente un requisito para ingresar a la élite del conocimiento, y aun así muy pocas lo lograban. Los hombres, en cambio, conseguían oportunidades que las mujeres ni soñaban”[2].

Según Staples, diversas mujeres privilegiadas que vivieron en el periodo de transición entre el Virreinato y el México independiente tuvieron la oportunidad de cultivarse en las artes; sin embargo, estas mujeres a la vez que brillaban por su talento y sus habilidades, destacaban por “su capacidad de no ofender el orgullo masculino al competir en conocimientos”[3]. Empero, avanzado el siglo XIX las mujeres tuvieron más oportunidades de adquirir nuevos conocimientos, desarrollar sus habilidades y ampliar el horizonte de la mujer ilustrada.

Este es el contexto en el que tiene lugar la obra de dos mujeres consideradas precursoras de la pintura femenina en México; se trata de Josefa Sanromán y Juliana Sanromán, hermanas que formaban parte de una familia originaria de Santa María de los Lagos, hoy Lagos de Moreno, Jalisco, que migró a la Ciudad de México. La historia de estas pintoras ha sido recogida en las investigaciones de Angélica Velázquez Guadarrama, maestra y doctora en Historia del arte por la UNAM e investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas, quien explica que la historiografía del arte ha sido transformada por el feminismo y los estudios de género, haciendo posible que la obra de estas pintoras sea reivindicada y analizada fuera de los discursos y estándares tradicionales de la historia del arte androcéntrica: “Las historiadoras del arte feministas se dedicaron a identificar y llevar al conocimiento público a las artistas que habían sido pasadas por alto por los discursos tradicionales que enfatizaban conceptos tales como genio, originalidad y consagración de obras maestras”[4].

Según explica Velázquez Guadarrama, Josefa y Juliana crecieron en una familia de 7 hermanos con una buena situación económica debido a que su padre, Blas Sanromán, era comerciante.

A pesar de que se desconoce cómo fue que las hermanas Sanromán comenzaron a pintar, las investigaciones de Leonor Cortina, y el análisis de las obras de las hermanas, apuntan a que quizás Pelegrín Clavé, pintor catalán que arribó a México para reformar de manera radical la enseñanza en la Academia de San Carlos a mediados del siglo XIX, fue su profesor particular, pues los retratos realizados por Josefa poseen similitudes con la obra del catalán; asimismo, Clavé pintó retratos de Juliana, Josefa y Refugio Sanromán que fueron exhibidos hacia 1853, y el padre de las pintoras tiene una presencia constante en la Academia de San Carlos en la década de 1850.

Las hermanas Sanromán participaron en la segunda exposición realizada en la Academia de San Carlos (se cree que también participaron en la primera, no obstante, no existe un catálogo que dé cuenta de ello); Josefa formó parte de esta muestra con tres obras mientras que Josefina hizo lo mismo con dos. Cabe destacar que la colaboración de las hermanas San Román en esta exposición, que dejaba ver su amplia preparación en la pintura, se hizo mucho antes de que las mujeres pudieran ingresar como estudiantes en la Academia de San Carlos en 1888.

La pintura era una expresión artística predominantemente masculina, por lo que la participación de la mujeres estuvo marcada por una clara diferenciación, pues los temas ejecutados en la pintura eran determinados con base en el género, esto hacía posible que la labor de las mujeres artistas fuera socialmente aceptable. Es por ello que, según apunta la historiadora del arte y docente Dina Comisarenco Mirkin, las mujeres sobresalieron principalmente en el género del bodegón, el paisaje, las escenas de interior, los retratos, los autorretratos y la copia de pinturas religiosas de los grandes maestros.

En ese sentido es importante detenerse en una de las obras de Josefa Sanromán, titulada Interior del estudio de un artista y que formó parte de la exposición de la Academia de San Carlos. En esta obra la pintora ejecuta un autorretrato con una escena costumbrista; no obstante, lo importante de esta pieza es la alegoría en la autorepresentación, pues según Comisarenco se trata de una personificación de la pintura en la que la autora utiliza el ámbito del hogar como un pretexto para representar su propia mirada sobre las mujeres artistas en una época en la que empezaban las reivindicaciones por los derechos de las mujeres en materia de educación e igualdad.

En Interior del estudio de un artista Josefa se plasma a sí misma rodeada de elementos y temas vinculados con la feminidad y la vida hogareña, así como de obras de autoría propia y de su hermana; sin embargo, lo interesante es que Sanromán se representa a sí misma como una artista, pues en el cuadro aparece sosteniendo una paleta de colores y pinceles, llevando así a cabo una operación iconográfica que la coloca como una mujer en acción.

“Josefa se autorrepresenta y define en su pintura como sujeto activo creador, orgullosa de sus creaciones artísticas, y acompañada por otras dos mujeres, una de las cuales aparece leyendo mientras la otra reflexiona seriamente. La artista resalta así, no sólo la superioridad de la pintura como arte, de acuerdo con lo que señalan varios tratados artísticos de aquel entonces, sino la capacidad intelectual de las mujeres en sintonía con las demandas y cambios de la época arriba referidos”[5], señala Dina Comisarenco Mirkin.

De acuerdo con Velázquez Guadarrama, Interior del estudio de un artista es una de las pocas representaciones en el arte mexicano del siglo XIX en mostrar la actividad artística de una pintora; la investigadora incluso sugiere que esta obra podría ser la primera en representar a una mujer de esta manera.

Asimismo, Juliana Sanromán es autora de un cuadro intitulado Sala de Música, en el cual representó a una joven que se alista para cantar mientras es acompañada por otra mujer que toca el piano, a la vez que un hombre en un sofá fuma y parece disfrutar el espectáculo. De nueva cuenta, en esta ocasión en una obra de Juliana, la mujer ocupa un papel activo como ejecutante de las artes. Sin embargo, al mismo tiempo que parece que las representaciones de las hermanas Sanromán contribuyen a ampliar el horizonte de la mujer ilustrada, Velázquez Guadarrama apunta que las obras de Josefa y Juliana contribuyeron a reforzar el ideal burgués de la feminidad de mediados de siglo difundido por medio de diversas publicaciones impresas y que respondía a la intención de elevar el nivel educativo de las mujeres.

No obstante, ese ideal tenía límites demarcados por las paredes de la vida hogareña y el matrimonio, pues la educación de las mujeres continuaba siendo considerada un peligro para sus roles “naturales” de madre y esposa. Es en este punto que la obra de las hermanas Sanromán adquiere un valor sumamente importante, pues sus representaciones implicaron una transgresión de los papeles secundarios y pasivos de las mujeres cuyo lugar está fuera de las artes y el conocimiento.

“Si a primera vista, y para el espectador actual, las obras de las hermanas Sanromán parecen reproducir los valores tradicionales, cuando se ven en el contexto de su tiempo, constituyen una imagen diferente de la feminidad mexicana… En sus pinturas se concibieron a sí mismas y examinaron a sí mismas como actores y protagonistas de su propio trabajo, algo bastante inusual en el contexto mexicano”[6], explica Velázquez Guadarrama.

A través de sus obras y en particular de sus autorretratos las hermanas Sanromán cuestionaron y superaron el lugar tradicional relegado a las mujeres en el ámbito artístico (la musa, el objeto de inspiración, el ornato y el ámbito doméstico) a la vez que plasmaron sobres sus lienzos nuevas posibilidades para la mujer al convertirse en sus obras, por medio de su iconografía, en sujetos protagonistas que son creadores y capaces de ejecutar las artes con la misma (o incluso más) habilidad y talento que los hombres.

Con información de Secretaría de Cultura https://bit.ly/2XhP1Xc

[1] Vargas, Luis. “Representaciones femeninas en la pintura del siglo XIX. Ángeles del hogar y musas callejeras, VELÁZQUEZ Guadarrama, Angélica, 2018, México, Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM”, Artelogie.

[2] Staples Anne. “Mujeres ilustradas mexicanas, siglo XIX” en Historia de las Mujeres en México, 2015, México, Instituto de Estudios Históricos las Revoluciones en México, p. 137.

[3] Op.cit, p. 140.

[4] Velázquez Guadarrama, Angélica. “Juliana and Josefa Sanromán: The Representation of Bourgeois Domesticity in Mexico, 1850-1860”, Artelogie, Recherches sur les artes, le patrimonie et la littérature de l’Amérique Latine, París, Francia, núm. 5, pp. 1-14, octubre de 2013.

[5] Comisarenco Mirkin, Dina. “Aquí nos pintamos nosotras: el autorretrato femenino en el México moderno”, Revista de la Universidad Cristóbal Colón, Número 28 (2012), 45-67.

[6] Velázquez Guadarrama, Angélica. “Juliana and Josefa Sanromán: The Representation of Bourgeois Domesticity in Mexico, 1850-1860”, Artelogie, Recherches sur les artes, le patrimonie et la littérature de l’Amérique Latine, París, Francia, núm. 5, pp. 1-14, octubre de 2013.

Comenta con Facebook

Click to comment

Leave a Reply

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Cultura

El sonido subterráneo, un ensayo de Jarvis Cocker sobre música y cuevas

Published

on

Lee el manifiesto publicado por Jarvis Cocker en wetransfer, y cómo fue que llegó a redactarlo.

Dónde puedes encontrar la paz? ¿Dónde puedes encontrar la paz?
¿Dónde puedes encontrar un silencio total?
¿Completa oscuridad?
Aquí.
No hay recepción de teléfono.
No wifi.
No v.
Sin radio.

Este es el REAL Sound of the Underground (porque es, ya sabes, en realidad subterráneo).

Sin influencias externas en absoluto.

Un lienzo en blanco.

Bueno, no exactamente en blanco.

Mira esas paredes. ¿Qué ves cuando miras allí? ¿Puedes ver caras? ¿Patrones? Realmente no están ahí, sabes, al igual que no hay escorpiones, osos o cazadores en el cielo nocturno. ¿Las constelaciones?. Son solo imágenes punto a punto inventadas por algún hombre de las cavernas olvidado. El universo es aleatorio: solo el hombre intenta darle un patrón para que signifique algo.

¿Pero no son estos patrones lo suficientemente buenos tal como son? ¿sin interpretación?, ¿no te encantaría poder hacer algo tan hermoso como eso?.
Por supuesto que sí. Pero nadie lo logró. Acaba de suceder.

Estalagmitas
Estalactitas
¿Cuál es cuál?

«Las medias bajan» – (una forma tosca pero eficaz de recordar).

Estas cosas tardan más de 20.000 años en formarse, ya sabes.
Y pensé que era un trabajador lento …

¿Es una coincidencia que el club que dio origen al grupo musical más significativo e influyente del siglo pasado se llamara The Cavern?
No lo creo.
¿Y por qué los mejores clubes nocturnos están en sótanos oscuros y lúgubres con techos bajos?

Fácil.
Porque nos recuerda estar aquí. De vuelta a la cueva. Quiero decir, vamos: ¿por qué crees que incluso se llamó «Música Rock» en primer lugar?
Aquí es donde todo comenzó.
Un miembro de su familia vivió una vez aquí.
El Des-Res original.
Y ahora es el momento de volver a casa.
Es hora de volver a la fuente.
Es hora de escapar del parloteo constante, interminable y sin sentido que te distrae de quién eres realmente y de lo que realmente quieres hacer.
Hay espacio para pensar aquí.
Espacio para vivir.
Entra (cuida tu cabeza).
Siéntate.
Mira fijamente una roca.
Empecemos de nuevo «.

¿Cómo llegué a redactar el manifiesto reproducido arriba?

¿Y estar a punto de sacar un disco parcialmente grabado en una cueva del norte de Inglaterra?

Soy cantante de pop, no paleontólogo. ¿De dónde salieron estas ideas?

Bueno, la historia comienza con un libro, que he estado leyendo de forma intermitente durante los últimos 10 años más o menos.

Es de David Lewis-Williams. Su argumento es que algo sucedió en las cuevas de la prehistoria que cambió para siempre la conciencia humana.

¿Qué podría ser eso?

Bien, no nos adelantemos, comencemos con lo primero, como: ¿cómo llegó este libro a mi posesión?

Entonces…

Hay un asentamiento paleolítico cerca de mi ciudad natal de Sheffield llamado Creswell Crags. Es el tipo de lugar al que te llevan en viajes escolares cuando eres niño. Me encontré allí hace unos 10 años porque estaba de regreso en el norte y buscaba alguna actividad para mantener ocupado a mi hijo algún día.

Fui sin expectativas, pero cuando llegamos me quedé bastante impresionado con el lugar. Es un poco como una cantera, pero hay cuevas en las paredes de la cantera, por lo que casi parece una versión prehistórica de un bloque de pisos de gran altura, como el famoso complejo Park Hill de Sheffield. Entonces no se sintió completamente extraño. Había algo familiar en ello.

El principal reclamo de la fama de Creswell Crags es que tiene el único ejemplo sobreviviente de arte rupestre del Reino Unido en una de sus cámaras. Es una pequeña talla de la cabeza de un caballo. Hay una rejilla de metal sobre la entrada de donde está para que no sea vandalizada por los niños de la escuela que visitan.

Mientras miraba dentro de esta cámara poco profunda con el grabado en la pared, algo extraño me sucedió. Comencé a sentirme bastante emocional, hasta el punto de que pensé que en realidad podría derramar lágrimas. Me tomó completamente por sorpresa. Se suponía que este sería un día de padre e hijo levemente educativo. Pero de repente obtuve una imagen mental realmente fuerte de alguien, en la prehistoria, probablemente acostado de espaldas en este espacio estrecho y oscuro, usando lo que estaba a mano para hacer estas marcas en la pared.

Y la idea de alguien haciendo eso: tomarse tantas molestias para hacer marcas en una pared que otra persona pueda mirar y comprender de alguna manera; en otras palabras, alguien que aprenda a comunicar lo que estaba en su mente, a exteriorizarlo en una forma a la que otro ser humano podría responder, que se sentía como si de alguna manera estuviera mirando los inicios del arte humano. Todo había comenzado con alguien raspando incómodamente en la oscuridad y esperando que esos rasguños en la pared de roca comunicaran algo. No era solo tecnología de punta, no era tecnología, y sin embargo, aquí estaba, miles de años después, brotando mientras lo miraba y sin poder decir realmente por qué. ¡Todavía funcionó! Ese artista rupestre desconocido me estaba moviendo, aquí mismo en el día de hoy.

Tenía que averiguar por qué.

Así que entré en la tienda de regalos Creswell Crags después de nuestra visita en un estado de extrema emoción. Y ahí es donde encontré el libro de David Lewis-Williams y lo compré en el acto.

Más que nada, fue el título lo que me enganchó: La mente en la cueva es una frase tan poderosa. ¿Qué sucedió en esas cuevas que significó que un objeto hecho entonces todavía pudiera hablarme todos estos años después? ¿Cómo se desarrolló la mente «moderna» dentro de los cráneos de un montón de personas sentadas en la oscuridad hace años? Preguntas a las que vale la pena buscar una respuesta, pensé.

La música es el prisma a través del cual veo el mundo. Si tengo que correr hacia un autobús, invariablemente me encontraré cantando Run To You de Bryan Adams. Cuando vi algunas naranjas en la tienda el otro día que estaban etiquetadas como «fáciles de pelar», inmediatamente me lancé a una versión modificada de Eagles ‘ Peaceful Easy Feeling (recibí una o dos miradas de desconcierto de mis compañeros de compras). No hay un evento en mi vida que no tenga una banda sonora musical asociada. Así que era natural que intentara comprender la idea de La Mente en la Cueva relacionándola de alguna manera con la música.

Este es un equipo de música muy antiguo. Vintage incluso.

Estás viendo los albores de la tecnología musical: estas flautas de hueso datan de la Era Paleolítica, hace aproximadamente 43000 años. Más o menos al mismo tiempo que se hizo la talla en la pared de Creswell Crags.

Y fueron hechos de una manera bastante similar. Lo que los convierte en «tecnología» son los agujeros; hasta entonces, son solo sobras. Los agujeros los hizo alguien raspando con algo afilado durante horas y horas después de haber terminado la cena.

Pero los agujeros no están colocados al azar: se colocan en puntos muy específicos para producir los intervalos musicales conocidos en la música occidental como «cuartos» y «quintos». Los cuartos y los quintos constituyen la columna vertebral de casi todas las canciones populares, son los intervalos más utilizados en los diferentes sistemas musicales del mundo.

No te preocupes si no has tenido una educación musical formal (yo no la tengo), pero créeme: has escuchado cuartas y quintas. ¿Alguna vez has escuchado música blues? ¿Conoce la canción Wild Thing de The Troggs? ¿O Fly Me To The Moon de Frank Sinatra? ¿Alguna vez has bailado I Will Survive de Gloria Gaynor? ¿O es un pecado de The Pet Shop Boys? Todo basado en cuartos y quintos.

Pero hasta que el Hombre (o la Mujer) del Paleolítico escuchó un cuarto y un quinto, no sabíamos que nos gustaban. Piensa en eso por un momento … Una vez más, un descubrimiento realizado por un homínido desconocido encorvado en la oscuridad, esta vez haciendo agujeros en un hueso y luego soplando para escuchar el resultado. ¿Cuánto tiempo se tardó en descubrir esos mágicos intervalos armónicos? ¿Cuántas horas de prueba y error se necesitaron para hacer cada uno de estos instrumentos musicales rudimentarios? Nunca sabremos las respuestas a estas preguntas, pero todavía nos estamos beneficiando de esas desordenadas sesiones de I + D posteriores a la cena en los albores de la civilización. Los instrumentos pueden haberse desarrollado mientras tanto, pero la canción sigue siendo la misma. La música abrió una nueva parte del mundo para que la disfrutemos.

El mundo de The Riff.

Mundo de Eco

Esto me hizo preguntarme cuántos otros aspectos de nuestra escena musical supuestamente «moderna» tenían sus raíces en la prehistoria.

En The Mind in the Cave, David Lewis-Williams escribe sobre la frecuencia con la que encontrará una concentración de imágenes de cuevas en un punto determinado del sistema de cuevas donde hay un eco de audio particularmente fuerte. Aparentemente, todo formaba parte del deseo de nuestros antepasados ​​de construir un entorno en el que realizar rituales. El Hombre Antiguo encontraría un lugar donde poder pararse y bailar y, si hacían ruido o música, sonaría bien. En algún lugar donde pudieran vibrar, básicamente.

Esto inmediatamente me recordó cómo, cuando la música rock comenzó por primera vez en los años 50, el primer efecto que usaron en el estudio fue el efecto de eco «slapback» que se puede escuchar en todos esos primeros discos de Elvis Presley. (Sam Phillips obtuvo su efecto de eco usando cinta magnética en lugar de enviar a Elvis por un pozo de la mina para grabar su voz, por supuesto).

Otros pioneros de la grabación lograron un efecto similar al construir lo que llamaron una «cámara de eco». Una habitación de paredes desnudas con un altavoz en un extremo y un micrófono en el otro. Cualquier sonido reproducido a través del altavoz rebota en las paredes y luego es captado por el micrófono, lo que resulta en un sonido cavernoso cargado de reverberación. Si alguna vez ha cantado en la ducha, básicamente ha recreado el mismo efecto. Suena genial, ¿no?

Pero, ¿por qué suena genial?

Me emocioné mucho pensando en todo esto porque el eco y la reverberación siguen siendo los efectos más utilizados en la música rock. Empecé a preguntarme si eso también se remonta a nuestros orígenes en la cueva. ¿Podría ser que a un nivel instintivo encontremos esos sonidos de reverberación y eco parecidos a una cueva placenteros porque nos llevan de regreso a esos orígenes? ¿Que estamos obteniendo algo del recuerdo óseo de eventos de hace mucho tiempo, de un grupo de trogloditas que llevan a cabo un ritual ruidoso en las entrañas de la tierra?

Considere la otra parte de la declaración de David Lewis-Williams: «a menudo encontrará una concentración de imágenes de cuevas en un cierto punto del sistema de cuevas donde hay un eco de audio particularmente fuerte». Como parte de la construcción de un espacio ritual, las paredes se cubrirían con cuadros para realzar el ambiente.

¿No estamos hablando de una discoteca aquí?

Piense en ello: sonido (flautas, eco), luz (antorchas encendidas), visuales (pinturas rupestres). Todo está ahí, hoy en día es más probable que sea: sonido (4K TurboSound System), luz (luz estroboscópica, láser), elementos visuales (pared de video, proyector LCD), pero el principio es esencialmente el mismo: estamos creando un entorno en que perder nuestra mierda.

Además, en mi experiencia, los lugares de música o discotecas que son realmente buenos, a menudo tienden a ser espacios muy parecidos a una cueva. Tal vez estén en un sótano, tengan un techo bastante bajo, estarán oscuros, tal vez solo haya pequeños parches de luz en movimiento, un poco como un fuego parpadeando en una pared. Estos son los lugares donde suceden cosas buenas.

Personalmente, no creo que la música «ocurra» realmente al aire libre. Sé que ha habido una pequeña explosión en la cantidad de festivales al aire libre recientemente, pero en general, la música al aire libre sopla y se disipa. Lo mismo en las grandes arenas o estadios: flota.

Pero en un lugar pequeño con un techo bajo, la música no tiene adónde escapar, rebota en las paredes, te rodea, casi puede sentir que te entra y entra en tu cuerpo. Es más fácil perderse en la música en ese tipo de entorno.

¿Y no es de eso de lo que se trata?

EL SIGUIENTE PASO

A lo largo de la última década, estas ideas se han ido desarrollando gradualmente en mi mente, como una de esas estalactitas o estalagmitas que encuentras ahí abajo, así que me pareció natural que cuando vine a hacer nueva música, las cuevas estuvieran involucradas de alguna manera.

Sentí que volviendo a las raíces mismas de la creatividad humana podría aprender a comenzar una nueva aventura creativa por mi cuenta.

Y sabía que tenía que involucrar a otras personas. Las cuevas fueron los primeros lugares en los que aprendimos a vivir muy cerca unos de otros. No tiene sentido aprender a comunicarse si no hay nadie más con quien comunicarse.

Entonces tenía que ser una banda. Un acontecimiento social, una reunión social. Un salto colectivo en la oscuridad. Un intento de dar sentido a las sombras en la pared y las sombras dentro de mi propia cabeza.

Un regreso a la fuente.

Un rave en una cueva.

Entonces, en la primavera de 2018, nuestro grupo JARV IS … tocó en vivo dentro de Peak Cavern en Derbyshire. Las grabaciones del show de la segunda noche terminaron formando la base del álbum que estamos a punto de lanzar, dos años después.

El viaje de «La mente en la cueva» a «La banda en la cueva» estaba bien y verdaderamente en marcha.

¿Qué he aprendido de ese viaje?

A veces tienes que volver al principio para saber cómo avanzar.

¿Y adivina qué?

Es tan natural como la evolución.

Jarvis Cocker es un músico, y actor británico, líder del grupo de pop Pulp y figura dentro del movimiento britpop.

Cocker, quien ha incursionado también como crítico y comentarista de la escena cultural, ha sido director de videos como «On» para Aphex Twin y «Aftermath» de Nightmares on Wax, además de participar en la banda sonora de Harry Potter y el cáliz de fuego, escribiendo y tocando tres temas: «This is the Night», «Do The Hippogriff» y «Magic Works».
Entre sus actividades más recientes se encuentra la publicación de su tercer álbum en solitario titulado Room 29 inspirado en la mítica habitación 29 del famoso hotel Chateau Marmont en Hollywood.

Lee la nota en su idioma original aquí https://bit.ly/2DOcQPJ

Comenta con Facebook

Continue Reading

Cultura

Encuentran tumba prehispánica en Tamaulipas; podría tener más de mil años

Published

on

La tumba prehispánica, hallada en Tamaulipas, contenía restos humanos y un molcajete; dichos elementos serán estudiados a fondo.

El Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) descubrió una antigua tumba prehispánica con una historia de más de mil años en Tamaulipas. Allí se encontró un esqueleto que corresponde a un hombre de entre 21 y 35 años. Por las características de su ofrenda, se especula que pudo haber existido en el período Clásico de la región, entre el 400 y el 700 d.C.

La antigua tumba y Tamaulipas tienen una larga historia. Según el INAH, luego de su muerte, el hombre fue introducido al interior de un petate junto con su pequeño molcajete. Por lo tanto, estuvo enterrado bajo tierra durante más de mil años.

A pesar de que se separaron los materiales funerarios que usaron para enterrarlo, aún conserva sus huesos, posición y reliquias de cerámica.

Los huesos estaban en posición sentada y flexionada, y hay evidencia de que el cuerpo fue colocado dentro de un fardo funerario; por otro lado, el molcajete es un trípode y se cree que data del periodo Clásico de la región, más o menos entre los años 400 y 700 de nuestra era.

Los restos de la persona, que siguen siendo estudiados por expertos del Instituto Nacional de Antropología e Historia, se convierten en uno de los primeros entierros prehispánicos “completos” reportados fuera de las cuevas secas, en la región cultural del estado de Tamaulipas en el suroeste.

Jesús Velasco González, un antropólogo físico y el arqueólogo Vanueth Pérez Silva, explicaron a detalle que el 8 de julio los vecinos de San Lorenzo de las Bayas y Ocampo notificaron al instituto del hallazgo, cuando estaban construyendo los cimientos de un tanque de agua.

Finalmente, se anunció que se realizarán más investigaciones para explicar a detalle la relevancia temporal y cultural de los elementos encontrados; y en el caso de los huesos y restos óseos del individuo, se piensa hacer un estudio en profundidad de su edad y condiciones patológicas, para entender si cuenta con deformación en el cráneo, así como las causas de su muerte.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Ocampo, Tamaulipas.- Luego de su muerte, aquel hombre que al morir debió tener entre 21 y 35 años, fue depositado al interior de un petate junto con un pequeño molcajete a modo de ofrenda. Así permaneció por más de un milenio, enterrado debajo de la tierra, misma que, si bien disgregó el material orgánico de su fardo funerario, preservó notablemente su osamenta, posición y reliquia cerámica. Hoy, los remanentes de este individuo, recuperados por expertos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), se convierten en uno de los primeros entierros humanos prehispánicos reportados ‘completos’, fuera de cuevas secas, en el área cultural denominada como suroeste de Tamaulipas. Fotografías: Cortesía Centro INAH-Tamaulipas #PrensaINAH #Entierro #Prehispánico #Osamenta #Tamaulipas

Una publicación compartida de INAH (@inahmx) el

Con información de Azteca Noticias https://bit.ly/31Ijmzy

Comenta con Facebook

Continue Reading

Cultura

Domingo 9 de agosto, Día Internacional de los Pueblos Indígenas

Published

on

• Existen cerca de cinco mil pueblos originarios, donde se hablan siete mil lenguas que representan 96% de las que se utilizan en el planeta
• Mañana 9 de agosto se celebra el Día Internacional de los Pueblos Indígenas

A pesar de que los pueblos indígenas enfrentan condiciones de pobreza, marginación, racismo, discriminación, falta de servicios y violencia de género, se resisten a desaparecer, y con su trabajo contribuyen al desarrollo de la sociedad.

Al conmemorarse este domingo 9 de agosto el Día Internacional de los Pueblos Indígenas -decretado por la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1994-, Patricia Rea Ángeles, investigadora de las Cátedras Conacyt, en el Instituto de Investigaciones Sociales (IIS) de la UNAM, destacó su papel estratégico en la protección del 80 por ciento de la biodiversidad en el mundo.

Además, favorecen la riqueza natural con sus prácticas, conocimientos y saberes sobre el cuidado y respeto de la naturaleza, los territorios y el medio ambiente; también, contribuyen a mitigar los efectos del calentamiento global.

Tras recordar que México es uno de los seis países megadiversos, al albergar cerca de 227 mil especies de animales (mamíferos, aves, reptiles y anfibios), plantas vasculares y hongos (CONABIO, 2020), subrayó que con su experiencia, estos grupos originarios contribuyen a la conservación de la soberanía alimentaria.

En México, ejemplificó en entrevista, tenemos 64 razas de maíz, y son esos pueblos los encargados de su reproducción, distribución y conservación. Lo mismo pasa con muchos otros cultivos.

No obstante, constituyen 15 por ciento de los pobres del mundo, lo que equivale a unos 370 millones de personas (ONU, 2010). Asimismo, enfrentan marginación, racismo, discriminación, violencia de género, falta de servicios y otras situaciones que vulneran sus derechos humanos y como comunidades, dijo.

Imprescindibles en el desarrollo de las sociedades

Rea Ángeles también destacó la riqueza cultural que representan. En todo el mundo hay cerca de cinco mil pueblos originarios, conformados por alrededor de 500 millones de personas que hablan siete mil lenguas, que representan 96 por ciento de las que se utilizan en el planeta. No obstante, este patrimonio de la humanidad podría desaparecer en los próximos 100 años (ONU, 2010).

En México habitan cerca de 12 millones de indígenas, pertenecientes a 68 grupos étnicos, con 68 lenguas y 364 variantes dialectales, expuso la integrante del proyecto “Envejecimiento activo y ciudadanía; mecanismos gubernamentales para la inclusión social de las personas adultas mayores en México”; y del Seminario Universitario Interdisciplinario sobre Envejecimiento y Vejez, que coordina Verónica Montes de Oca, investigadora del IIS.

Subrayó que también hay representantes de los pueblos indígenas en empresas desarrolladoras de software, tecnologías de la información y la comunicación; organismos internacionales; instituciones gubernamentales; universidades y academia, entre otros ámbitos, donde aportan sus conocimientos al desarrollo de las sociedades.

El Estado debe ser, aseveró, el principal garante de los derechos humanos, constitucionales, económicos, sociales y ambientales de estos grupos, además de fomentar una cultura de respeto e inclusión y destacar sus contribuciones a las sociedades.

“Al resto nos corresponde respetar la diversidad cultural y étnica, y verla como una riqueza y fortaleza. Por siglos se les ha considerado pobres, atrasados, sin educación, y se generaron estereotipos que alentaron la discriminación y el racismo, pero esto se puede revertir para tener un país más justo, igualitario y equitativo”.

Marginación, pobreza y racismo

La experta en pueblos indígenas, vejez, políticas públicas y ciudadanía resaltó que de acuerdo con datos del Consejo Nacional de Evaluación de la Política de Desarrollo Social, en México el porcentaje de esta población en situación de pobreza era de 69.5 por ciento en 2018, en contraste con 39 por ciento de la no indígena en la misma condición.

“Es clara la vulneración de sus derechos humanos como la alimentación, salud, vivienda, educación y cuidados. Hay pocas escuelas y el sistema educativo no contempla la interculturalidad; difícilmente se imparte instrucción en sus lenguas o con sus conocimientos propios. En nuestro país no existe un sistema de cuidados con perspectiva intercultural y de género que proteja a los adultos mayores indígenas, dejando esa responsabilidad a comunidades y familias, especialmente a las mujeres”.

Otro ejemplo es la poca o nula atención a la salud. Con la pandemia se ha visibilizado la brecha de atención: en territorios indígenas no hay hospitales, clínicas, personal o un modelo intercultural que atienda la emergencia sanitaria, acotó la doctora en antropología.

“Muchas regiones carecen de caminos o carreteras en buen estado, que permitan llegar rápidamente al hospital o clínica más cercano. De acuerdo con datos de la Secretaría de Salud (2020), el riesgo de fallecer por este motivo entre la población indígena es 70 por ciento mayor con respecto a la no indígena.

“Resisten por sus sistemas normativos internos. Son las comunidades y los gobiernos municipales los que actúan con mayor responsabilidad; por ejemplo, en la región mixteca hay una alta migración, y muchos oaxaqueños que estaban en Estados Unidos regresaron a sus pueblos, por lo que comenzó a incrementarse el número de casos de COVID-19”.

Entonces, las autoridades comunitarias decidieron, en conjunto con las municipales, cerrar las entradas y pedir la prueba negativa para SARS-CoV-2. Si no se hubiera actuado de esa manera los estragos serían catastróficos, abundó la especialista.

Se están organizando y generan sus propias estrategias de supervivencia. Se sabe que la gente regresa a trabajar al campo y podría haber un resurgimiento masivo de las actividades agrícolas; es responsabilidad de los gobiernos estatales y federal garantizar que cuenten con los recursos necesarios para salir adelante, concluyó.

Con información de UNAM.

Comenta con Facebook

Continue Reading
Violentometro
MUJERES

Destacado

Todos los derechos reservados @ 2018 - 2020 De Luna Noticias