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Para Manuel Felguérez (Zacatecas, 1928) el arte es un oficio de inventores y no de artesanos que repiten la misma obra, porque el acto de la creación está ligado a la invención y cuando “el artista se repite, se convierte en artesano de sí mismo y deja de ser artista. Así que el chiste es la emoción y que cada obra comience en la famosa tela en blanco”, expresó ayer durante el recorrido por la nueva muestra que le dedica el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

La exposición, que será inaugurada este sábado, lleva por título Manuel Felguérez. Trayectorias y es definida como un recorrido monográfico que incluye los momentos clave de su trabajo, a partir de cien obras que recorren siete décadas de producción artística, en el marco de sus 90 años.

«El artista tiene que llenar su tela en blanco con algo que no haya existido, no repitiendo algo que ya está visto, sino con algo inventado. Así que en cada exposición uno tiene que tener algunos elementos de novedad, ¿o para qué enseñas tu trabajo si es lo mismo?”, dijo poco antes de revisar el montaje.

También reveló que sus obras tienen una importante carga gestual, dado que han sido elaboradas con el movimiento del cuerpo y a partir de un concepto clave: el caos.

«Es mucho más difícil inventar el caos que el orden, pero lo primero es el caos y, una vez que éste se inventa, en el caso del universo, se supone que dios impuso una serie de leyes. Ahí está la gravedad: una estrella jala a otra y poco a poco se empiezan a acomodar y continúa una constante transformación”.

En todo caso, añadió, si uno piensa que el arte es creación, “uno se ve obligado en su propia obra a encontrar constantemente un orden y dicho orden lo marca uno mismo”. Quizá esto se relaciona con una frase de Leonardo da Vinci, “quien afirmaba que ‘el arte es mental’, es decir, no es manual, no es artesanía, no es oficio… es cabeza”.

También habló sobre la inspiración de su obra. “Yo siempre respondo que uno no se inspira de un árbol, pero sí de la naturaleza. (El arte) no se hace en un día, puede tardar 10 días o dos meses, “y en ese tiempo estás pegado a la pared, como mosca, haciendo rayitas, mientras suceden cosas”.

En esencia, advirtió, el artista no crea una simple obra, sino que pinta su vida. Así que cuando alguien asiste a una exposición, se aprecia la vida secreta de alguien.

A esto se suma otro detalle: “Todo el trabajo artístico es una lucha contra uno mismo y, a veces, como en las películas, le salen arrugas al papel”, y es cuando el artista trabaja y corrige hasta que algo resulta y nace una especie de milagro. Y cuando se termina la obra, Felguérez la cuelga en un muro para observarla unos días más y cada que pasa a su lado le agrega un detalle.

¿Diría que su obra está ligada al caos?, se le cuestionó al creador de Puerta 1808. “Me parece la base para el arte. Por ejemplo, si te digo que tú eres un esperma, no me lo vas a creer, pero puedes pensar en el caos de esos líquidos que se mezclan y luego adquieren un orden que ya está establecido en la naturaleza; todos hemos seguido el mismo proceso sin pensar en él. Tampoco lo hicieron nuestros padres, simplemente es así. Digamos que en la naturaleza tú siembras un árbol y éste crece. Es su ley y luego da frutos. Entonces, todo acaba teniendo un orden, pero empieza siendo nada”.

GÜERO DE RANCHO

La muestra Trayectorias incluye obras de gran formato, entre las que se encuentran: Trilogía (2019), La danza de los ojos (2019), La máquina del deseo (1973), Canto al océano (1963), La energía del punto cero (1973), El autómata de Hagelberger (1973), Combination 144-2 (1976) y muchas más.

Felguérez también aseguró que “el arte tiene la obligación de ser pretencioso, en el sentido de que, cada vez que hace una obra, se intenta hacer lo mejor del mundo”, e insistió en que “el arte viene del arte”, es decir, que abreva de todas las fuentes del pasado.

Y recuperó dos instantes de su origen. El primero es su nacimiento, ligado al municipio de Valparaíso, en Zacatecas. “Ahí mi padre tenía una hacienda, donde yo nací y siempre me consideraron güero de rancho, aunque mi madre decía que no es de rancho, sino de hacienda, pero en fin, es lo mismo”.

Y evocó su bautizo como artista. Sucedió al terminar la preparatoria, durante un viaje por Europa, dos años después de que terminara la Segunda Guerra Mundial. En aquel viaje visitó la Catedral de Notre Dame, la Capilla Sixtina y una exposición de Joseph Turner, en Londres.

En aquel trayecto, Felguérez iba con su amigo Jorge Ibargüengoitia, a bordo de un barco sobre el río Támesis. De pronto bajó al camarote, tomó un lápiz, un trozo de cartón y dibujó el río, la Torre de Londres y un lanchón que rompía el horizonte. Al terminar el dibujo, Felguérez lo firmó y se lo entregó a su amigo, mientras le decía: “Mira, ya soy artista”.

Aquel instante, que sucedió el 12 de octubre de 1947, le recordó a Turner con sus barcos, el agua, la caída del sol… y así asistió a su confirmación como artista.

Por último, anunció que donará parte de su archivo y de su obra al MUAC, lo que responde a su compromiso como universitario, debido a que parte de su vida trabajó en la Academia de San Carlos y el Instituto de Investigaciones Estéticas; considera que es mejor dejar su obra y archivo en un museo donde pueda conservarse. Con ello, el MUAC sumará 64 obras del artista zacatecano.

Poco antes de retirarse, Felguérez mostró su inalterable sentido del humor y prometió que dentro de 10 años montará una gran retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de la Gran Manzana. “Lo de Nueva York lo cito como un lugar común, porque se supone que es el museo internacional más conocido. Es como una meta. Antes todos íbamos a París, ahora la gente va a Nueva York, que se ha convertido en lugar mítico”, concluyó.

La primera exhibición de Felguérez se hizo en 1958 y, desde entonces, ha participado en innumerables muestras individuales y colectivas nacionales y en el extranjero. Su obra se exhibe de manera permanente en importantes recintos museísticos de México, Europa, Asia y América, además de formar parte de múltiples colecciones privadas. A lo largo de su trayectoria ha sido reconocido con el Premio Nacional de Artes de México (1988), la beca de la Fundación Guggenheim y el Gran Premio de Honor de la XIII Bienal de São Paulo (1975). Obtuvo la Medalla Bellas Artes (2015) y fue nombrado Creador Emérito por el Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca (1993).

Con información de Excélsior.

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Cultura

Miguel Álvarez Acosta, poeta, dramaturgo y promotor cultural

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  • Promotor cultural incansable, poeta, ensayista, narrador y también dramaturgo, Miguel Álvarez Acosta fue autor de 35 libros de cuentos y novelas, así como de 500 pinturas.

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) recuerdan al exdirector general del INBAL, quien nació el 29 de septiembre de 1907; impulsó la apertura de los teatros El Granero y del Bosque, así como de las escuelas de Danza y Teatro y fue fundador de la Orquesta de Ópera de Bellas Artes y de la revista Bellas Artes, así como presidente del Organismo para la Promoción Internacional de Cultura de la Secretaria de Relaciones Exteriores.

Oriundo de San Luis Potosí, Miguel Álvarez Acosta (1907- 1996) escribió Pausa breve, cuentos y leyendas (1950), Xilitla (1950), Muro blanco en roca negra (1952), La operadora nueve (1987) y La biznaga de bronce (1988), entre otros títulos, también fue fundador de la Casa de la Paz en la colonia Roma.

Estudió en la Escuela Normal y la carrera de Leyes, lo cual le permitió ocupar el cargo de secretario general del Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación (SNTE), presidente del Tribunal Superior de Justicia en su estado natal, vicepresidente de la Academia Potosina de Ciencias y Artes, y gobernador interino, entre otros cargos.

En el género de poesía, destacan sus textos Romances (1935), Hogar adentro (1940), Epístola del remoto lugareño (1943), Los pozos sagrados (1952) y Nave de rosas antiguas (1952), entre otros títulos.

Entre otros reconocimientos, obtuvo el Premio Ciudad de México 1948 por Xilitla, el Premio Internacional de Buenos Aires, en 1950; y su obra Muro blanco en roca negra, fue premiado por el diario El Nacional en 1951.

Miguel Álvarez Acosta también escribió obras para teatro: El forastero divino (1986) y Rey y señor Cuauhtémoc, (1988).

En 2002, María Eugenia, Ruth y Silvia Álvarez Puyou, hijas de Miguel Álvarez, presentaron una exposición con 120 obras de un total de 500 piezas del promotor cultural y pintor, en una muestra retrospectiva presentada en su casa de Coyoacán.

Miguel Álvarez Acosta nació en San Luis Potosí el 29 de septiembre de 1907 y falleció en la Ciudad de México el 24 de marzo de 1996.

Con información de Secretaría de Cultura

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Cultura

Formas Blandas presenta el concepto de escultura de Magdalena Martínez Franco

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Formas Blandas es un proyecto documentado en tres videos que la artista visual Magdalena Martínez Franco presentó para la convocatoria “Contigo en la distancia: Movimiento de Arte en Casa”, en donde narra visualmente el proceso de creación en el Taller de Escultura para Personas con Discapacidad Visual que impartió en la Biblioteca México, así como las experiencias de usuarios que visitaron la exposición escultórica exhibida en el Antiguo Palacio del Arzobispado y en la Biblioteca Vasconcelos.

La convocatoria, lanzada de manera extraordinaria durante la Jornada Nacional de Sana Distancia, contempló el uso de herramientas digitales para la creación de contenidos formativos y didácticos con fines pedagógicos y de divulgación, que pudieran ser consultados sin salir de casa, a la vez que se incentiva a los artistas, cuya labor fue interrumpida debido a la cancelación de proyectos en todo el país.

Formas Blandas originalmente es una exposición escultórica que nació de la tesis de maestría elaborada por Magdalena Martínez Franco, artista visual por la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), cuya idea se origina a partir de varios cuestionamientos como ¿por qué la escultura siempre tiene que estar fija? y ¿por qué nunca la podemos mover, ni tocar? si es precisamente la manipulación lo que provoca un acercamiento más integral, más y sensorial.

El proyecto inició hace 25 años y consiste en la elaboración de diferentes piezas de pequeño formato que se puedan tocar para apreciarlas a plenitud, ya que a esta experiencia la artista le suma diferentes materiales como hule espuma, yeso, plastilina epóxica o metal, que decidió poner fuera de sus bases para facilitar su manipulación y que los espectadores puedan experimentar diversas sensaciones.

En tanto, el objetivo del Taller de Escultura para Personas con Discapacidad Visual fue el resultado de la experiencia de los asistentes a estas exposiciones, ya que Martínez Franco buscó que los discapacitados visuales tuvieran también la oportunidad de explorar a través del sentido del tacto sus emociones y la forma de percibir el mundo tridimensional de la obra escultórica.

Explica la creadora que debido a la importancia significación que le da conferida al tacto, le pareció importante realizar este taller, ya que las obras que incluyó en la exposición que lleva el mismo nombre “Formas blandas”, son piezas que fueron hechas con el propósito de proporcionar un contacto real de los invidentes y los niños principalmente, »quienes pueden acercarse al arte de manera más libre y sin prejuicios».

En este sentido, Magdalena Martínez subraya que su trabajo siempre habla desde la mirada de otro a través de la intimidad, la tecnología, la migración, otras disciplinas o las capacidades diferentes, “todo esto nos lleva a repensarnos desde el otro, a ser más empáticos y a entender el mundo desde una visión más amplia e inclusiva”.

En esta trilogía visual se narran las reacciones, experiencias y anécdotas de los usuarios, tanto invidentes como público en general, en las visitas que tuvieron en los recintos culturales donde se ha puesto a disposición la obra de Magdalena Martínez.

Magdalena Martínez Franco ha expuesto su obra en exposiciones, foros y concursos nacionales e internacionales, al mismo tiempo, ha trabajado como directora visual desde 1994 al lado de diferentes coreógrafos, presentando su trabajo en foros y festivales de danza contemporánea.

Con información de UNAM.

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Cultura

Regala libros la Biblioteca Pública de Playa del Carmen

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Desde principios de septiembre las bibliotecas públicas de Solidaridad reabrieron sus puertas gracias al cambio en el semáforo epidemiológico. Para celebrarlo se realiza una campaña de fomento a la lectura bajo el eslogan «haz patria leyendo».

Para realizar esta campaña se difunden imágenes alusivas en las redes sociales y también se han colocado mesas con libros gratis en las bibliotecas de Playa del Carmen para todos los nuevos usuarios que tramiten su credencial.

El trámite no tiene costo y solo se requieren los siguientes documentos:

-2 fotografías.

-Original y copia de identificación oficial y de comprobante de domicilio.

-Ir acompañado por un fiador con identificación oficial y comprobante de domicilio.

Las bibliotecas participantes en esta promoción se encuentran en la avenida 30 con calle 78 («Jaime Torres Bodet») y en la avenida Juárez con av. 15 («Leona Vicario»). El horario es de lunes a viernes de 9 a 17 horas.

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